雕塑家安娜贝丝·罗森:五个对话片段

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不锈钢雕塑

安娜贝丝·罗森的全部作品并不适合正式面试的提问/回答形式。她的谈话风格,像她的作品一样,丰富而具有话语性,通过增添和积累获得了深度和共鸣。在四个月的时间里,经过14个小时的讨论,以下片段得以保留,保持了她与作品本身一样有机和复杂的物理和概念关系框架。


罗森(Rosen)的陶瓷雕塑是用一种臭名昭著的传统材料以完全非常规的方式制成的。神秘,惊人的原创性,即使是她最小的作品,也都具有令人惊叹和迷惑的能力。有一种鲁re的发明感,也可以从库尔特·施维特斯,彼得·沃尔科斯,比特·库恩和贝蒂·伍德曼等艺术家的创新中看到。在过去的几十年中,罗森(Rosen)进行了高度抽象的工作,但在可行性边界上进行了深入的参考工作,制作了由破碎的陶瓷碎片和碎片,弹性带,釉料和金属丝组成的复杂的聚集物体。尽管在大多数人看来,她在工作中看到了历史渊源,债务和与过去的联系,但她的成就似乎是空前的。

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罗森的作品 从未给人以轻松或便利的印象。除了其非凡的生命力和奇特,轻率,苛刻的美丽外,它还谈到劳动。她自己经常被自己的作品弄得不知所措。


安娜贝斯·罗森:从来都不容易。我一直在工作,但是我发现这非常困难。我永远不知道窑的高温会显示出什么。如果做错了一切,直到为时已晚(直到我已经坚定决心),我才知道。

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罗森的作品 是原始的,它掩盖了通常的对立语言。她的对象既不是自然的也不是人为的,既不是代表性的也不是抽象的。她的作品采用独特的逻辑,其过程涉及将两个维度与三个维度合并,同时进行重复和变异的修辞。她的形式将重复动作的简单性与复合结构的复杂性结合在一起-这种过程本质上是根茎性的,与生长方式非常相似。


加斯顿·巴切拉德(Gaston Bachelard)在《空间诗学》中介绍了“亲密的无限性”,即某些情况和条件实际上发生在心理/符号和身体两个尺度上的想法。罗森在物理领域中所做的工作大致与我们对人物或建筑的感知方式相似-将它们合并到另一个视觉渴望接触的强烈心理领域。她揭示了对微观和宏观尺度的强烈敏感性,以相等的强度专注于特写细节和质量的疏远效应。她的能量通过材料传输,使手势的大小与完成的对象相称,同时又赋予其超出其范围的重量。


AR:我对化妆的东西有很多思考。我毫无疑问地使这些事情成为现实,可以想象的。在那些白色的,块状的,破裂的东西中,有些东西与人造世界或自然,某些非常普通的东西有某种关系。尽管您做这种非常普通的事情,但是您会在某种亚细胞水平上对来自您内部的信息进行操作。因此,如果我的工作必须涉及某件事,那就是关于人类如何协商生活,阶级,教育以及我们对文化的理解,以及参与所有这些事情的对话。

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看到罗森的作品 在画廊或博物馆里的照片与在她的工作室里看到它的经历非常相似。最终对象保留了她的流程和工作环境。每件作品都伴随着对其智力和身体进化的深刻印象,一种明显的个体发育形式,概述了系统发育。罗森(Rosen)的工作室挤满了摆着半成品和纸箱碎片的长桌;墙壁上衬有巨大的单色图纸。有一种有序的混乱感,就像一个异常繁茂的花园一样,只有经过长时间的思考,才能揭示其内部逻辑和组织。她的所有物件都由不同的零件组成,每个零件都是单独的,并通过表面绘图或颜色的轻微变化进行表达。她用较大的碎片重新组装了这些小的陶瓷碎片,通过上釉或将它们包裹在金属丝中将它们连接在一起。她的雕塑像墙或茅草屋顶一样建造,逐个元素而不是组装在一起。结构来自密度,是片段结构中一个绑定基团与另一个绑定基团的附着。


分片充当手势,是重复存在但独特的元素,像脉冲一样存在于作品中。这种精心制作的方法使观看者明显地意识到了罗森的决策。看到她的作品,是要从整体上理解“被解雇,折断,聚集,堆砌”的含义,因为她在休斯顿当代艺术博物馆作了2017年回顾展的标题。


AR:关于碎片的事情是-每个部分都是我作品的一部分。我爱断裂的部分;它有继续的想法。我喜欢这样的想法:想象力通过模式继续。


如果我要收集所有工作,那将是一片碎片,碎片几乎像瓷砖一样固定在一个图案中。就像草间弥生的网络绘画一样-图案,成千上万的标记,点,触感。他们聚在一起发表更大的声明。每个破碎的部分都在我的脑海中完成。观众看到一个碎片,然后想象它的来源,我想像它可能去的地方。这就像整个过程的连续性一样—断裂,布线,组装在一起是内部过程的一部分。

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罗森与粘土的互动充满了对陶瓷历史的拥抱和拒绝。她一直在不断挑战极限和规则-开火和再开火,创造条件使釉料崩裂和起泡,锤击不起作用的碎屑,并始终通过受控事故进行处理。她是釉料技术的大师,甚至发明了一种釉料,可以将不再需要,喜欢或不想要的釉料涂刷掉。罗森(Rosen)用粘土做一些学校教你不要做的事情。她的成就之所以能引起共鸣,是因为它们勾勒出一个典范,不仅定义了一个精巧的陶瓷物件,而且还定义了似乎能规范大多数当代雕塑的构图规则。


AR:我的兴趣是调查,质疑和修改陶瓷工艺的层次结构。我的过程可能暗示了一种将日常体验模糊成陶瓷本身一样永恒且熟悉的东西的愿望。随着数字技术的发明,陶瓷确实是荒谬的事情,在中世纪确实如此。使用VR,您可以画图,使用灯光,投影,也可以在物体内部或成为物体-无需多年生产,没有重量,没有质量,没有窑炉,没有板条箱。然而,没有什么比粘土和釉。自从我记得起,我就被它的即时性和不变性所吸引。

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粘土与工艺和功能的必然结合代表了陶瓷雕刻家的沉重负担之一。直到最近,观众和评论家似乎都无法从他们的咖啡杯或谷物碗中的粘土到雕塑中该材料在索引上的不同呈现出概念上的飞跃。这使那些从事黏土工作的人沦为准局外人。


尽管罗森曾在加州大学戴维斯分校担任罗伯特·阿内森(Robert Arneson)捐赠主席,但已获得两项国家艺术奖学金,皮尤奖学金,琼·米切尔基金会画家和雕刻家奖以及2018年古根海姆奖学金,并且在许多国家和国际场所都有个展,她仍然在主流艺术界的追捧下飞翔。这种缺乏知名度的现象可能也与她作品的巨大概念和智力复杂性有关,其中包括女权主义问题,拙劣的材料,工艺,装饰,重复劳动和高度正式的严谨性。每件作品中神经能量的轨迹都是从某些极简主义的荒谬出发的,这也反映在伊娃·黑森,成龙·温莎和草间弥生的作品中。


罗森(Rosen)分离的,密集的手势表面强调了非凡的技巧,对陶瓷技术的了解以及对颜色,形状和表面的高度关注。然而,她的技能被其工作中提出的问题所掩盖:无格式和高度定义之间的界限是什么?什么是美女?自然与技巧之间的碰撞产生了什么?

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AR:艺术家制作的每件作品都会问另一个问题-不一定与答案更接近,而与下一个问题甚至更好。我一直对技术巫术持怀疑态度。陶瓷带有对技术,对工艺的价值和独特性的追求。经过一生的经验,我的作品因其原始性而被忽略,被误认为是无意的,并且被认为只使用了最低限度的工艺。我的工作是故意的。我整理这些东西,但我希望它们像世界上任何其他已知的可识别的东西一样被理解,真实和令人信服。


粘土是一种非英雄的材料,又重又湿;我一直在不断修改它,并努力达到极限。陶瓷需要能量并且很耗时,但是在我看来,陶瓷在化学领域之前是炼金术。这是艺术与科学之间最原始,最现代的,最相关的跨学科对话,它在将多种不同种类的知识与想象力结合在一起方面具有变革性。