雕塑的设计原理

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雕塑艺术中是否存在通用的设计原则,这是令人怀疑的,因为控制雕塑元素到表达作品的组织的原则因风格而异。实际上,主要雕塑风格之间的区别主要是基于对构成它们的设计原理差异的认识。因此,艺术史学家Erwin Panofsky试图在设计的原理上定义差异罗马式和哥特式雕塑,当他说罗马式的形式被认为是它们自身外部平面的投影时,而哥特式的被认为是以它们自身的轴线为中心。潘诺夫斯基认为“轴心性原理”是“哥特式雕像的基本原理”,这是哥特式重新发现的。

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雕塑设计原则支配着雕塑家处理诸如 方向,比例,比例,清晰度和平衡。


为了构思和描述雕塑形式相对于观众,观众以及周围环境的方位,需要某种空间参考方案。这由参考轴和参考平面系统提供。

一个 轴是通过对称或近似对称的体积或一组体积的假想中心线,表明质量的重力枢轴。因此,人体的所有主要组成部分都具有自己的轴,而一个直立的人物只有一条垂直轴贯穿其整个长度。体积可能会在其轴上旋转或倾斜。


基准平面是可以参考体积,轴和表面的运动,位置和方向的假想平面。基准的主要平面是正面,水平和两个轮廓平面。

参照轴和四个基本平面,制定了控制不同雕塑风格的直立人物的特征姿势和空间构成的原则:例如,已经提到的轴向性原则;正面性原则,支配着古代雕塑的设计;特性contrapposto(姿态在身体的哪个部位,如上部和下部,倾斜或甚至在相反的方向扭动)的米开朗基罗的数字; 在古典时期站立的希腊雕塑中,经常使用平衡的“ chiastic”姿势(这种姿势主要是在一条腿上承受体重,从而产生张力的反差)。 和人物相对两侧之间的放松)。

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线性尺寸,面积,体积和质量之间存在比例关系。这三种类型的比例在雕塑中共存并相互作用,从而增强了其表现力和美感。雕塑家对比例的态度差异很大。一些雕塑家,无论是抽象的还是具象的,都使用比例数学系统。例如,人类自然比例的细化和理想化是希腊雕塑家的主要任务。印度雕塑家采用了标志性的典范,或比例相关的系统,确定了人物所有重要尺寸的比例。非洲和其他部落雕塑家的身材比例基于身体各部位的主观重要性。不自然的比例可能用于表达目的或将雕塑容纳在其周围。数字的伸长率沙特尔大教堂的Portail Royal(“皇家门户”)做到了这两个方面:增强了它们的超凡脱俗,并将其与圆柱状建筑融合在一起。


有时有必要调整雕塑的比例以适合其相对于观看者的位置。例如,位于建筑物高处的图形通常在其上部较大,以便抵消缩短的影响。当在博物馆的视线高度上陈列着这样一个姿势的雕塑时,应该允许这样做。


的 规模雕塑有时必须相对于其周围环境的规模来考虑。当它是较大建筑群中的一个元素(例如建筑物的外墙)时,它必须与其余元素成比例。雕塑家在设计户外雕塑时必须考虑的另一个重要考虑因素是,露天雕塑的趋势(尤其是在天空下观看)看起来比在工作室中显得更小。因为人们倾向于将雕塑的规模与自己的身体尺寸联系起来,所以一个巨大的人物和一个小雕像的情感影响是完全不同的。

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在古代和中世纪的雕塑中,人物在构图中的相对比例通常取决于其重要性。例如,奴隶比国王或贵族小得多。有时称为等级规模。


一种形式与另一种形式的结合可以以多种方式实现。在19世纪法国雕塑家的大部分作品中奥古斯特·罗丹(Auguste Rodin)没有明确的界限,并且一种形式以印象派的方式与另一种形式合并以创建连续流动的表面。在希腊雕塑家的作品中Praxiteles的形式通过平滑,模糊的过渡而柔和微妙地融合在一起。的体积印度雕塑和男性人物在希腊雕塑家的风格表面解剖Polyclitus定义清晰,表达清晰。意大利文艺复兴时期和北部文艺复兴时期雕刻家的主要区别之一在于,意大利人更喜欢由清晰表达,形式各异的形式组成的作品,以及北欧人倾向于将各个部分服从于整个作品。组成的 独立雕塑的平衡或平衡具有三个方面。首先,雕塑必须具有实际的物理稳定性。这可以通过自然平衡来实现,也就是说,通过使雕塑本身足够稳定以牢固地站立,这对于四足动物或斜躺的人物来说很容易做到,而对于站立的人物或又高又瘦的人来说却不那么容易雕塑,必须固定在底座上。平衡的第二个方面是成分的。力的相互作用和组合物内重量的分布可能产生动态或静态平衡的状态。平衡的第三方面仅适用于代表活人的雕塑。通过不断的运动和肌肉的调节,一个活着的人形可以平衡两只脚。这种效果可以通过形式的细微位移以及张力和松弛的暗示在雕塑中传达。